無の美学 水墨画と余白の美

水墨画は、13世紀以降、禅宗の教えと共に日本にもたらされ、室町時代に大きな発展を見た。

水墨画の本質は、墨のみで「造花の真」を捉えることであり、知性的な分析を排して直感によって生の実在に至る禅の精神と対応しているといえる。
色彩を排し、物の本質に即した省略を行うことで、対象の直截的な把握を目指した。

最初に、宋本国以上に日本で人気を博した南宋の画家、牧谿(もっけい)の「叭々鳥(ははちょう)図」と、可翁(かおう)の「竹雀(ちくじゃく)図」を見ておこう。

牧谿 叭々鳥図
可翁 竹雀図

二つの絵画の微妙な違いの中に、日本的な水墨画の特色を感じることができるかもしれない。

南宋の水墨画

南宋の画家の中で最も評価が高かったのは、馬遠(ばえん)と夏珪(かけい)とだった。
馬遠の一角、夏珪の一辺と言われ、画布に余白を残し、その余白に余情を感じさせる画風を確立した。水墨画独自の美である。

馬遠 洞山渡水図
夏珪 渓山清遠図(部分)

牧谿の水墨画は室町時代に最も日本で愛好されたと言われている。
「漁村夕照図」は、山が連なる景観を左に寄せ、全体を表さずに余情を残す「残山剰水(ざんざんじょうすい)」という手法が用いられた、美しい一例である。

牧谿 漁村夕照図

中央に観音様が置かれ、その両横には鶴と猿が配された「観音猿鶴図」。観音には「道有」の印、鳥と動物には「天山」の印が捺され、宗教的な絵画であることがわかる。

牧谿 観音猿鶴図

白衣の観音が座る岩窟、今にも鳴こうとしている鶴の竹林、母子の猿が遊ぶ古い木の枝。岩山や背後にかかる靄、湿潤な大気の動き、光の明暗。それらが全てが、墨の濃淡やぼかしによって、見事に表現されている。

日本の水墨画は、こうした南宋の水墨画を規範としながら、微妙な違いを示している。

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