象徴主義絵画 不可視を可視化する芸術

19世紀後半のヨーロッパでは芸術観が大きく転換し、理想的な美を理想的な姿で描き出す伝統が下火になる。
その動きと対応するように、現実そのものを対象とする芸術観が生まれ始め、戸外で自然の風景を描く、印象派の画家達の活動が活発になった。
しかし、他方では、印象派とは対極に位置する流派も生まれた。その一つが象徴主義的絵画である。

日本で最もよく知られているのは、オーストリアの画家、ギュスターブ・クリムトだろう。

Gustav Klimt, Le Baiser

フランスの画家では、ギュスターブ・モローがよく知られている。

Gustave Moreau, Salomé Tatouée

こうした象徴主義絵画は何を対象し、どのような絵画表現を目指したのだろうか。

印象派批判から象徴主義へ

1874年の第一回印象派展から5年後の、1879年、エミール・ゾラが次のように書いている。

Alfred Sisley, La Seine au point du jour 

印象派の画家たちは、時間や天気の数え切れない状況に応じて、自然の変化の様相を研究する。つまり、光を分解し、動く大気、色彩のニュアンス、光と影の偶然の変化等を通して、自然を分析している。
しかし、技巧的に貧弱で、長い時間をかけて、堅固な形体を持つ作品を作り出してはいない。

このように主張するゾラにとっては、構図やデッサン(線)によって現実を再現することは、芸術作品の基本だった。従って、色彩中心で構図への配慮が低下した絵画は、認めにくいものだったに違いない。

1880年になると、オディロン・ルドンも印象派批判を行った。

Odilon Redon, L’enlèvement de Ganymède

ルドンの批判は、印象派と象徴主義の違いを教えてくれる。
印象派は、戸外で対象物の外観を再現するたには適切な絵画技法である。言い換えると、外的な世界で起こる現象のみを対象にしている場合には、物事の外観や光の効果を捉える印象派的画法が相応しい。

しかし、ルドンが表現しようとするものは、内なる声、瞑想する人間の内部で鼓動するもの。つまり、生命そのものであり、それは明暗法によってのみ表現可能だと彼は考える。
人間は思考する生物であり、光がどんな役割を演じようと、人間の内面の活動を捉えなければ、芸術の意味はない。
結局、印象派は外観を再現する流派であり、象徴主義は人間内部の主観を象徴的に描き出す流派ということになる。

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