｢愛の喜び｣はジャン・ポール・マルティーニ（１７４１ー１８１６）の代表作。
彼はドイツ生まれだが、活躍したのはフランス。お墓は、パリのペール･ラシェーズ墓地にある。
Plaisir d’amour ne dure qu’un moment, 愛の喜びは一瞬しか続かない。
Chagrin d’amour dure toute la vie. 愛の悲しみは一生続く。
単純だけれど、素直に心に飛び込んでくるこの歌詞は、フロリアン（ジャン・ピエール・クラリス・ド、１７５５ー１７９４）の中編小説｢セレスティンヌ｣から取られた。
吉田秀和が『永遠の故郷 真昼』のために選んだのは、エリザベート・シュヴァルツコプスの歌うもの。
普段、私たちは何となく映画を見ているが、映画はいくつかの基本的な要素から構成されている。
そうした要素は、全てが最初から存在したわけではなく、映画の進化に伴って徐々に付け加わっていった。
映画の誕生から歴史的に見ていくと、その進化が明確になる。
１）最初の映画 ワンカット・ワンシーン
リュミエール兄弟が、１８９５年、パリのグラン・カフェで世界初の映画を上映した。
その映画は、ワンカット・ワンシーン。つまり、撮影したままのフィルムを、そのままスクリーンに映写したもの。
最初に上映された映画｢工場の出口｣は、リュミエール兄弟の工場から出てくる人々の映像をそのまま流している。
水墨画は、１３世紀以降、禅宗の教えと共に日本にもたらされ、室町時代に大きな発展を見た。
水墨画の本質は、墨のみで｢造花の真｣を捉えることであり、知性的な分析を排して直感によって生の実在に至る禅の精神と対応しているといえる。
色彩を排し、物の本質に即した省略を行うことで、対象の直截的な把握を目指した。
最初に、宋本国以上に日本で人気を博した南宋の画家、牧谿（もっけい）の｢叭々鳥（ははちょう）図｣と、可翁（かおう）の｢竹雀（ちくじゃく）図｣を見ておこう。
二つの絵画の微妙な違いの中に、日本的な水墨画の特色を感じることができるかもしれない。
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喫茶の習慣は、禅僧の栄西（1141-1215）によって中国から日本にもたらされ、最初は薬効のためにお茶が飲まれた。
その後、室町時代になると、一休和尚を経て、珠光（1422あるいは1430-1502）が、茶道（佗茶）を創始したと言われている。
このような歴史を顧みると、茶道が禅の教えと深く関係していることがよくわかる。
その両者に共通しているのは、人間が生きている上で背負っている様々な過剰物を｢単純化｣し、生の根源に至ることだといえる。
禅では知的な思考を離れ、直感によって生の実在そのものに到達しようとする。
茶道では、質素な小室（茶室）に客人を迎え入れ、世俗的な違いを廃し、主客の心の交わりを実現することを目指す。
茶室の限られた空間は、禅的な表現で言えば、｢本住地｣あるいは｢父母未生以前本来面目｣を、現実の一瞬に実現する場とすることを理想としている。
ジョルジュ・サンドは、『コンシュエロ』の中で、１８世紀のイタリア音楽を３つの角度から取り上げている。
宗教音楽としては、マルチェロの賛美歌、第１８番。
世俗音楽の中で、テクニックが優先される例としては、ガルッピの｢悪魔のような女｣のアリア。
主人公コンシュエロの音楽的才能を発揮させる例としては、ヨンメッリの｢捨てられたディド｣。
youtubeでそれらの曲をたどっていくと、サンドの案内で１８世紀イタリア音楽に入門するような感じがする。
続きを読むジョルジュ・サンドはショパンの恋人。リストたち多くの音楽家と友人でもあった。そうした環境の中で、素晴らしい音楽に触れ、センスを養っていったことだろう。
サンドの『コンシュエロ』は音楽小説という側面を持っている。主人公コンシュエロが最初に登場する場面では、幼い彼女にペルゴレージの｢サルヴェ・レジーナ｣を歌わせる。その後、知識があり、多くの経験をし、熱狂的な歌唱ではなく、無邪気な子どもの歌い方を称揚する。そこにサンドの音楽観が現れている。
１８世紀ナポリ学派の作曲家ペルゴレージ。彼の｢サルヴェ・レジーナ｣へ短調を聞くと、その美しさに心を動かされる。
サンドに教えてもらった一曲。
日本の美には、平安朝や元禄時代のような華やかな美と、室町時代に確立した質素な美がある。
https://bohemegalante.com/2019/08/30/paul-claudel-et-la-beaute-japonaise/
他方、絵画における表現法は、二つの美の表現でも共通している部分が多い。
そしてその特徴は、ヨーロッパ、とりわけルネサンス以降のヨーロッパの絵画とは対照的である。
では、日本の伝統的な絵画の特色は、どのようなものだろうか。
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