アルチュール・ランボーは、『地獄の季節（Une Saison en enfer）』の中心に、「錯乱２：言葉の錬金術（Délires II. Alchimie du verbe）」と題する章を置き、７つの韻文詩とそれらを取り囲む散文詩を配した。

そこで繰り広げられた「言葉の錬金術」の内容は、１８７１年５月に書かれた「見者の手紙（Lettres du Voyant）」や、同じ年の８月に投函されたテオドール･バンヴィル宛ての手紙に書き付けられた韻文詩「花について人が詩人に語ること（Ce qu’on dit au poète à propos des fleurs）」の中で展開された詩法を、さらに発展させたものと考えられる。

ここでランボーの散文詩を読むにあたり、指摘しておきたいことがある。
多くの場合ランボーの散文の構造は非常に単純であり、それだからこそ、青春の息吹ともいえる生き生きとしたスピード感に溢れている。
その一方で、単語と単語の意味の連関が希薄なことが多く、論理を辿りにくいだけではなく、意味不明なことも多い。
そのために、多様な解釈が可能になる。読者の頭の中にクエション・マークが？？？？？？と連続して点滅する。
その不可思議さが、ランボーの詩の魅力の一つでもある。

では、これから『地獄の季節』の心臓部とも言える「錯乱２：言葉の錬金術」を読んでみよう。

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１８５７年、『悪の華（Les Fleurs du mal）』を贈られたフロベールはボードレールに礼状を書き、「あなたはロマン主義を若返らせる（rajeunier le romantisme）方法を見つけたのです。」と詩集全体の総括をした。
さらに続けて、好きな詩の題名を幾つか列挙し、その中で、「月の悲しみ（Tristesses de la lune）」を挙げる。そして、そのソネの第１カトラン（四行詩）の３行目と４行目を引用した。

フロベールは、『ボヴァリー夫人』の中で、エンマのロマン主義的な傾向を揶揄しているように見え、ロマン主義の批判者とも受け取れる。しかし、別の視点から見れば、彼もまた「ロマン主義を若返らせる」方法を模索したと考えることもできる。

では、詩人と小説家が同じ方向に歩みを進めていたとしたら、新しいロマン主義とはどのようなものなのだろうか。

同じ礼状の中で、フロベールはボードレールに、螺鈿（damasquinage）にも似た「言語の繊細さ（délicatesses de langage）」が、『悪の華』の「辛辣さ（apreté）」に価値を与えていて、その辛辣さが好きだと伝える。

エンマのロマン主義で批判の対象になるのは、センチメンタリスム。
それに対比されるのは、夢が消えた後の虚しさ、苦々しい想い、不快さ。一言で言えば、「辛辣さ（apreté）」。
とすれば、若返ったロマン主義は、「螺鈿の言葉を彫琢し、辛辣さから美を生み出す」ものと言えるのではないだろうか。

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１８８７年に出版された｢純粋なその爪が｣（«Ses purs ongles»）には、それ以前に書かれた原形の存在が知られている。
１８６８年７月、友人のアンリ・カザリスに宛てて送られた、｢それ自身の寓意的ソネ｣（« Sonnet allégorique de lui-même »）である。

実際、二つの詩の間では共通の単語が用いられ、構文が類似している詩句もある。しかし、その一方で、違いも大きい。
マラルメの初期の時代の詩法を知り、後期の詩法との違いを知ることは、１９世紀後半のフランス詩全体の動きを知る上でも興味深い。

幸い、１８６７年の詩に関しては、マラルメのいくつかの証言が残されている。それに基づきながら、彼が何を考え、どのように表現したのか、探っていこう。

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マラルメの詩は難しくて、何を意味しているのかわからないことが多くある。
その一方で、声に出して読むと､大変に美しい。

この特色は、一つの視点から見ると、日本の書道に似ている。
しばしば書いてある文字が何を意味しているのか分からない。
しかし、文字の映像としては、とても美しい。

例えば、平安時代に流行した和歌集冊子｢西本願寺本三十六人家集、源重之集｣の一部を見てみよう。
四季の草花や風景を繊細に描いた文様を施された料紙に、仮名文字で和歌が綴れている。

えだわかぬ　はるにあへども　むもれ木は
もえもまさらで　としへぬるかな

現代の私たちはこの仮名文字をほぼ読むことができないが、とても美しいと感じる。意味でははく、文字の造形性が、美を生み出している。

マラルメの詩句では、文字の映像ではなく、音楽性が美を生み出す主要な要素として機能する。

こうした美のあり方を前提にして、マラルメが自己の詩法を表現したと見做される、YX（イクス）のソネ｢純粋なその爪が｣の読解にトライしてみよう。

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｢忘れられたアリエッタ　その１｣は、ヴェルレーヌの詩の精髄がそのままの形で詩になっている。この詩を理解することで、｢ヴェルレーヌ的｣とは何か、そしてなぜ彼の詩が日本でこれほど愛されているのか、理解することができる。

｢忘れられたアリエッタ｣と題された９つの小さな詩は、『言葉なきロマンス（Romances sans paroles）』に収録され、１８７４年に出版された。

１８７４年は、第一回印象派展が開催され、モネの｢印象・日の出｣から、印象派という名称が生まれた年。
印象派の画家たちからの直接的な影響はないとしても、同時代的な表現法の類似が、ヴェルレーヌの詩との間に見出されることは確かである。

ヴェルレーヌの生涯でいえば、ランボーとのイギリスでの生活が破綻し、ブリュッセルのホテルで彼の手を銃で撃ち、監獄に入れられていた時期。
その頃の詩作はランボーとの相互的な影響作用で、音楽性がもっとも強く打ち出されていた。｢何よりも先に音楽を｣と歌った｢詩法｣が書かれたのも、１８７４年。
https://bohemegalante.com/2019/06/16/verlaine-art-poetique/

｢詩法｣の中で、詩句を音楽的にするためには奇数の音節数が大切だとしている。｢忘れられたアリエッタ　その１｣は、全て７音節の詩句からなり、奇数音節が実践されている。

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マラルメの詩は難しい。それは日本人の読者にとってだけではなく、フランス人にとっても同じこと。なぜこんなに「難解（obscur）」なのだろう。

日本では本来の難解さに、別の問題が加わった。
マラルメ紹介の初期、東大教授だった鈴木信太郎が中心的な役割を果たした。彼の訳文は難しい漢字のオンパレードで、普通の読者には理解不可能なものだった。
その上、マラルメの詩が、言語の根底を問い直す哲学的な側面を持っているため、逆に読者は「難解さ」に安住する傾向が出来上がってしまった。わからなくて当たり前という風潮。分からないものをありがたがるインテリの読者。。。

その一方で、音楽性は顧みられず、マラルメの詩を声に出して読むことは冒瀆と考えられる時代があったという。詩の音楽性が重要であることは、マラルメ自身が強く主張している。音声軽視は、日本のマラルメ受容にとって大変に不幸なことだった。

初期のマラルメが自らの詩法を展開した「蒼穹（L’Azur）」を読み、彼が詩をどのように捉えていたのか見ていくことにしよう。

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詩は大きく分けると、歴史や神話を語る叙事詩と、個人の思いや感情を吐露する抒情詩に分類される。
１９世紀のフランスでは、抒情詩が詩の代表と考えられるようになり、それに伴い音楽性がそれまで以上に重視されるようになった。
とりわけ、１９世紀後半の詩人達、ボードレール、ヴェルレーヌ、ランボー、マラルメたちの詩句は音楽的である。

ポール・ヴェルレーヌの「詩法」« Art poétique »は、「何よりも先に、音楽を」という詩句で始まり、抒情詩＝音楽の流れを見事に表現している。

実際、ヴェルレーヌ自身大変に音楽的な詩人であり、彼の詩は数多くの作曲家によって曲を付けられ、現在でもしばしば歌われている。
https://bohemegalante.com/2019/04/13/verlaine-musique-philippe-jaroussky/

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「母音」« Voyelles»はランボーの詩の中でも傑作とされ、多くの読者を引きつけてきた。しかし、何度読んでも難しい。なぜこんなに難解な詩が高く評価されるのだろうか。

その魅力を知るためには、ランボーが目指したものを知り、一つ一つの詩句をじっくりと読んでみるしかない。

その試みに挑んだら、ソネを構成する１４行の詩句の解説に、１２，０００字程度費やすことになってしまった。長い長い解説。。。

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